Perspectives & Words

"liebe.mutter" (dear.mother) | KunstKulturKirche Allerheiligen – Forum für Moderne Kunst und Neue Musik | Dorothea Erbele-Küster (KR)

“Pain, unspecified”, Nassauischer Kunstverein Wiesbaden - Centre for Contemporary Art, Wiesbaden, Germany, 2022 (Photo: Hyunju Oh)

프랑크푸르트 현대미술과 신음악 포럼인 KunstKulturKirche Allerheiligen에서 열린 오현주 개인전 “liebe.mutter”

2024년 6월 28일, 도로테아 에를벨레-퀴스터 교수의 전시 서문

“Pain, unspecified”(상세불명의 통증). 이는 우리가 이곳 KunstKulturKirche Allerheiligen에서 목격한 오현주 작가의 퍼포먼스 제목입니다. 퍼포먼스와 사운드 설치 작품으로 구성된 'liebe.mutter' (dear.mother) 전시는 아직 말하지 못한 이야기를 들려주며 모성에 대한 이미지를 되돌아보게 합니다. 그리고 그 이미지는 이곳에서 함께 살아납니다.

“Pain, unspecified”. 특정할 수 없는 것, 무형의 것이 고통을 고통으로 만듭니다. 통증은 헤아릴 수 없습니다. 대상이 없다는 특징을 가지고 있습니다. 고통에는 대상이 없습니다. 정의하기 어려운 고통, 이것은 표현과 전달을 갈구합니다. 여기 이 퍼포먼스에서 우리는 두 손의 움직임, 점점 커져가는 균열을 발견할 수 있었습니다. 오현주 작가는 바닥에 펼쳐진 종이 위에 무릎을 꿇습니다. 우리는 그녀의 손을 따라갑니다. 오른손으로 물컵을 잡습니다. 조심스럽게 물을 부어 바닥에 퍼트립니다. 젖어진 종이는 다시 한 장 한 장 찢어집니다. 쏟아지는 물에는 해방감과 치유력이 있습니다. 그러나 돌은 여전히 그곳에 남아 있습니다. 눈물을 흘리는 의식. 언어를 통해 정의할 수 없는 이 고통은 신체 언어가 됩니다. 몸의 내적 언어로서의 고통은 몸과 함께 몸 밖으로 전달됩니다.

“Pain, unspecified”, KunstKulturKirche Allerheiligen, Frankfurt am Main, Deutschland, 2024 (Photo: Thomas Orban)

오현주 작가의 2019년 작 "Pain, unspecified" (상세불명의 통증)는 이 교회에서의 퍼포먼스를 통해 새로운 맥락으로 재탄생했습니다. 고통이 성소의 십자가에서 출구를 찾아 쏟아져 나올 때까지 그 긴 길은 무한히 펼쳐집니다. 교회에서 고통은 보통 전례 중의 기도로써 큰 소리로 표현되며, 이는 제단 위의 십자가에 그려집니다. 여기서 빛은 위에서부터 빛의 원뿔을 통해 십자가 위로 흘러내립니다. 애도는 유대-기독교의 기도 언어에 깊은 뿌리를 두고 있습니다. “나의 하느님, 나의 하느님, 왜 나를 버리셨습니까?” 시편 22편에도 이와 같은 구절이 있습니다. “나는 물 같이 쏟아졌으며, 내 모든 뼈는 어그러졌으며, 내 마음은 밀랍 내 속에서 녹았나이다” 쏟아지는 고통. 이 퍼포먼스에서 고통은 애통으로 십자가를 향하는 것이 아닌, 제단에서 밖으로 향합니다. 동시에 시선의 방향은 아버지, 어머니, 하느님을 향합니다.

우리는 오늘 이 퍼포먼스를 “liebe.mutter” (사랑하는.어머니) 전시회의 맥락에서도 볼 수 있습니다. 이것은 모성 고통과의 연결을 요구합니다. 어린 시절의 고통. 불특정. 그 고통은 사랑일까요, 연결일까요, 눈물일까요. 아이가 말하는 소리가 들립니다: 어머니가 아파요. 당신의 아이. 그리고 어머니의 음성을 듣습니다: 사랑하는 아이야, 너는 내 안에서 아프구나. 이것은 점점 더 커져가는 균열입니다. 당신의 어머니. 찬장에 숨겨진 아이의 목소리(“hier, anders” - 오디오 드라마 설치 여기, 다른 곳에서)의 물음은 이미 함께 그 안에 담겨 있습니다: “여기가 어딘가요? 난 어디에 있는 건가요? 그곳은 밝은가요? 그곳은 잔인한가요?”

“hier, anderswo”, KunstKulturKirche Allerheiligen, Frankfurt am Main, Deutschland, 2024 (Photo: Thomas Orban)

몇 년 전 마인츠에서 오현주 작가의 퍼포먼스 "Pain, unspecified"를 처음 봤을 때, 한국 민중운동과 신학의 맥락에서 배웠던 ‘한’이라는 단어가 떠올랐습니다. 여기서 '한'은 군사독재 하에서 민중들이 겪은 말로 다할 수 없는 고통을 의미합니다. 한국 친구들에 따르면 '한'은 일상에서 고통에 쓰이지 않는다고 합니다. '한'은 민중항쟁으로 자식을 잃은 어머니의 말 못할 고통, 민중의 육체적 고통입니다. 번역할 수 없는. 한. 반란. 동요. 분노. 고통. 불의에 맞서는 어머니. 종이의 눈물을 통해 어머니 몸의 눈물.

정의할 수 없는 것, 지극히 개인적인 것은 타인의 고통에 열려 있으면서 외부화 될 수 있는 방식입니다. 그리고 고통을 표현하는 것은 예술이자 생존의 예술입니다. 작가 오현주는 소리를 '찢어지는 종이'에서 신체의 언어를 찾습니다. 퍼포먼스 "Pain, unspecified"는 프랑크푸르트에서 활동하는 여러 수상 경력을 가진 아티스트의 다면적인 면모를 한데 모은 작품입니다: 그녀는 시인이자 퍼포먼스 아티스트, 머티리얼 아티스트, 사운드 아티스트입니다.

“Ein Brief”, KunstKulturKirche Allerheiligen, Frankfurt am Main, Deutschland, 2024 (Photo: Jens Gerberg)

“Unterm Schaten”, KunstKulturKirche Allerheiligen, Frankfurt am Main, Deutschland, 2024 (Photo: Jens Gerberg)

우리는 지금 사운드 설치물로 둘러싸인 KunstKulturKirche Allerheiligen에 있습니다. 교회는 하나의 청음실이 됩니다. 두 작품 “Unterm Schatten”(어둠 아래)과 “Ein Brief”(한 편지)는 초연작입니다. “Unterm Schatten"(그림자 아래, 2024)에서는 조심스럽게 접힌 담요가 열린 교회 공간의 의자 위에 쌓여 있습니다. 흰색. 깨끗한. 그들은 나를 덮는다. 어머니가 나를 덮어주었습니다. 숨쉬는 동굴. “Unterm Schatten"에는 무엇이 숨겨져 있고 무엇이 소리로 나올 수 있을까요?

“Ein Brief” (한 편지, 2024)는 오래된 창문에 음향으로 설치된 작은 오디오 설치물입니다. 우리는 서로 다른 언어의 음성 편지를 듣게 됩니다. 여기서 편지의 수취인은 특정되어 있습니다: 사랑하는 어머니. 나머지는 우리의 행위가 필요합니다. 침묵 속에서, 귀를 기울이면 편지는 조용한 내면의 기도가 됩니다. 사랑하는 어머니. 당신의 자녀 또는 딸. 인사말 속에 편지의 받는 사람이 담겨 있습니다. 그녀는 부재중입니다. 우리는 아이의 목소리만 듣습니다. 작품 “Ein Brief”(한 편지)는 어머니를 향하고 어머니를 찾습니다.

"사랑하는 어머니"라는 인사말은 여기서 잠시 동안 하느님의 어머니를 향한 연설이 되었습니다. 이곳 KunstKulturKirchen 입구에 위치한 작은 공간의 성모상이 눈에 들어옵니다. 하느님의 어머니 마리아는 사운드 설치를 통해 존재감을 드러냅니다. 교회에서 우리는 보통 우리 아버지, 친애하는 아버지라고 말합니다. 하늘에 계신 아버지. 여기 지상에 계신 어머니. 사랑하는 어머니. 부재중인 어머니에게 보내는 주소. 기도의 편지.

"liebe.mutter" (사랑하는.어머니). 이 전시 제목은 두 개의 단어를 조합한 말장난이기도 합니다. 두 단어는 점으로 구분되어 있습니다. 숨을 고르기 위한 쉼표. 이 두 단어는 그 자체로 생명을 얻습니다. 사랑에는 본질적인 가치가 있습니다. 우리는 거의 항상 어머니를 호칭의 한 형태로 듣습니다. 사랑.어머니. 점으로 거꾸로 읽을 수도 있습니다: 어머니.사랑

퍼포먼스, 사운드, 침묵을 넘나드는 멀티 아티스트 오현주는 "liebe.mutter" 전시에서 설치 작품에 자유로운 공간을 연출합니다. 이를 통해 모성에 대한 이미지를 확장하고 고정관념에서 벗어나게 합니다. 사랑하는.어머니.

"Mutterboden"은 오현주 작가가 현재 작업하고 있는 주제입니다. 이 침묵의 사운드 아티스트는 '어머니'라는 실존적 주제의 양면성, 그리움, 강인함을 숨소리, 말의 파편, 상상적 사운드 이미지로 변환합니다. 이를 통해 그녀는 진부한 어머니의 이미지를 재현하는 것을 거부합니다. 이에 귀 기울이기 위해 우리는 여기 KunstKulturKirche에 초대된 것입니다.

Prof. Dr. Dorothea Erbele-Küster (독일 국립 요하네스 구텐베르크 대학교)

"liebe.mutter" (dear.mother) | KunstKulturKirche Allerheiligen – Forum für Moderne Kunst und Neue Musik | Dorothea Erbele-Küster (EN)

For the solo exhibition “liebe.mutter” (EN: dear.motehr / literal: love.mother) by Hyunju Oh at the KunstKulturKirche Allerheiligen - Forum for Modern Art and New Music in Frankfurt am Main

Opening speech by Prof. Dr. Dorothea Erbele-Küster on June 28, 2024

"Pain, unspecified" is the title of the performance by Hyunju Oh that we have just experienced here at the KunstKulturKirche Allerheiligen. The performance, like the sound installations in the "liebe.mutter" (EN: dear.motehr / literal: love.mother) exhibition, is open to stories yet to be told and allows reflection on images of mothers. They live on participation.

"Pain, unspecified". It is the unspecifiable and the intangible that makes pain pain. Pain is excessive. It is characterized by the fact that it has no object. Pain is objectless. Although pain is difficult to define, it seeks expression and communication. Here in the performance, it finds it - in the movement of the hands, in the ever-widening tear. Hyunju Oh kneels on the floor, on the unrolled sheet of paper. We follow her hands. The right hand takes the glass, pours water, and carefully wipes the water off, making contact with the floor, and then the paper, moistened in this way, is torn piece by piece. There is something liberating and healing about pouring water. The stone remains. A rending ritual. Pain that cannot be defined by language becomes body language. Pain as the inner language of the body is carried outward with the body.

This earlier work by Hyunju Oh (2019) has just been performed in the church, and thus is given a new context. It is an infinite journey from the cross in the sanctuary until the pain finally finds an outlet and pours out. In the church, pain is usually represented in the liturgy in prayer and in the crucifix on the altar. Here, light pours from above onto the cross. Lament is deeply rooted in the Judeo-Christian language of prayer. "My God, my God, why have you forsaken me?" Psalm 22, mentioned above, also says: "My heart is poured out like wax. Pain that is poured out. In the performance, the pain does not turn towards the cross as a path of lamentation, but backwards, away from the altar, towards the exit. At the same time, the direction of the gaze is towards Father, Mother God(it).

We see the performance today also in the context of the exhibition "dear. mother". This requires a connection to the pain of the mother. The pain of the child. Unspecified. Is pain love? the connection? the rupture? I hear the child speak: Mother, it hurts. Your child. I hear the mother speaking: Dear child, you hurt me. It's a rift that's getting bigger and bigger. Your mother. The questions of the child's voice hidden in the closet (audio installation "hier, anderswo" - hear, elsewhere) are already mixed in: "Where am I? Where am I? Is it light there? Is it cruel there?"

When I saw the performance "Pain, unspecified" by Hyunju Oh in Mainz on the tour of the graduating class of the Art Academy a few years ago, I remembered the Sino-Korean word "Han", which I had learned in the context of the South Korean Minjung movement and theology. In this context, "Han" stands for the unspeakable suffering of the people under the military dictatorship. According to my Korean friends, "han" is never used in everyday life to describe pain. "Han" is the pain of the unheard, the suffering of the people's body, the mother who lost her child in the uprising. Untranslatable. Han. Uprising. Excitement. Anger. Pain. The mother's pain from injustice. The tear in the mother's body caused by a tear in the paper.

It is an art, a survival art, to be able to express pain in such a way that the indefinable, the deeply personal, can be released and opened to the pain of others. Hyunju Oh finds a body language, a sound for it: the paper that tears. In the performance "Pain, unspecified" brings together the many dimensions of the award-winning artist, who lives and works in Frankfurt: she is a poet, performance artist, material artist, sound artist.

We are surrounded by sound installations here in the ArtCultureChurch of All Saints. The church becomes a listening room. The two works “Unterm Schatten” (Under the Shadow) and “Ein Brief” (A Letter) are premieres. In “Unterm Schatten” (2024), carefully folded blankets are piled up on a bench in the open space of the church. White. Fresh. They cover. Mother covered me. A breathing cavity. What is hidden under the shadow and what can be made to resonate?

"Ein Brief" (A Letter) is a small audio installation that sounds as if it is taking place on an old window pane. We hear a letter with five voices in different languages. The addressee of the letter is named: Dear Mother. For the rest, the Work needs us. In the silence, in our listening, the letters become silent inner prayers. Dear Mother. Your son or daughter. The person addressed is present in the greeting. She remains absent. We hear only the voice of the child. The work "Ein Brief" marks the mother and searches for the mother.

The greeting "Dear Mother" becomes for a moment an address to the Mother of God. Here in the simple space of KunstKulturKirchen, we only perceive the Madonna's protective mantle in the entrance area as we leave. Mary, the Mother of God, becomes present through the sound installation. In church we usually say: Our Father, dear Father. Father in heaven. Here now Mother on earth. Dear Mother. An address to the present absent mother. A letter prayer.

„liebe.mutter“ (EN: dear.motehr / literal: love.mother). The title of the exhibition combines two loaded terms in a play on words. The two words are separated by a period. A breathing space. The two words take on a life of their own. Love has its own value. We almost always hear mother as a form of address. Love.Mother. The full stop can also be read backwards: mother.love.

In the exhibition liebe.mutter, the multivalent performance, sound, and silence artist Hyunju Oh creates designed spaces in the installations. She expands the image of the mother and frees it from stereotypes. Love.Mother.

“Mutter.Boden” (Mother.Ground) is the theme that Hyunju Oh is currently working on. The Sound Silence artist translates the ambivalence, longing and power of the existential theme of "mother" into breath, fragments of speech and imaginative sound images. She resists the reproduction of clichés of mother images. We are invited to listen here in the KunstKulturkirche.

Prof. Dr. Dorothea Erbele-Küster (Johannes Gutenberg University)

"liebe.mutter" | KunstKulturKirche Allerheiligen – Forum für Moderne Kunst und Neue Musik | Dorothea Erbele-Küster (DE)

Zur Ausstellung „liebe.mutter“ von Hyunju Oh in der KunstKulturKirche Allerheiligen – Forum für Moderne Kunst und Neue Musik in Frankfurt am Main

Eröffnungsrede von Prof. Dr. Dorothea Erbele-Küster am 28. Juni 2024

„Pain, unspecified“ (Schmerz. Nicht näher spezifiziert). So lautet der Titel der Performance von Hyunju Oh, die wir gerade hier in der KunstKulturKirche Allerheiligen erlebt haben. Die Performance wie auch die Klanginstallationen der Ausstellung „liebe.mutter“ sind offen für noch zu erzählende Geschichten und ermöglichen das Nachsinnen über Mutterbilder. Sie leben von der Teilnahme.

„Pain, unspecified“. Das nicht Spezifizierbare und das Nichtfassbare macht den Schmerz zum Schmerz. Schmerz ist maßlos. Er zeichnet sich dadurch aus, dass er keinen Gegenstand hat. Schmerz ist objektlos. Obgleich Schmerz schwer näherbestimmt werden kann, sucht er nach Ausdruck und Mitteilung. Hier in der Performance findet er dies – in der Bewegung der Hände, im immer größer werdenden Riss. Hyunju Oh kniet auf dem Boden, auf der ausgerollten Papierbahn. Wir folgen ihren Händen. Die rechte Hand ergreift das Wasserglas, schüttet Wasser aus und streicht sorgfältig das Wasser aus, nimmt Bodenkontakt auf, und das so befeuchtete Papier wird dann eingerissen Stück für Stück. Das Wasser, das sich ausgießt, hat etwas Befreiendes und Heilendes. Der Stein bleibt. Ein Ritual, das zerreißt. Schmerz, der sich der Definition durch Sprache entzieht, wird Körpersprache. Schmerz als innere Sprache des Körpers wird nach außen mit dem Körper getragen.

Diese ältere Arbeit von Hyunju Oh (2019) wurde soeben im Kirchenraum aufgeführt und erhält dadurch einen neuen Kontext. Ein unendlich langer Weg vom Kreuz im Altarraum, bis der Schmerz endlich einen Ausgang findet und sich nach draußen ergießt. Im Kirchenraum wird Schmerz gewöhnlich in der Liturgie im Gebet laut und im Kruzifix am Altar abgebildet. Hier strömt auf das Kreuz durch den Lichtkegel von oben Licht. In die jüdisch-christliche Gebetssprache ist die Klage tief verwurzelt. “Mein Gott, mein Gott warum hast Du mich verlassen?“ In dem soeben zitierten Psalm 22 heißt es auch: „mein Herz ist ausgegossen wie Wachs“. Schmerz, der sich ausgießt. Der Schmerz wendet sich in der Performance nicht als Klageweg hin aufs Kreuz, vielmehr vollzog sie sich rückwärts vom Altar weg Richtung Ausgang. Die Blickrichtung zugleich damit auf Vater.Mutter Gott(es).

Wir sehen die Performance heute auch im Kontext der Ausstellung „liebe. mutter.“ Das ruft nach einer Verbindung zum Mutterschmerz. Kindesschmerz. Unspezifiziert. Ist der Schmerz die Liebe? die Verbindung? der Riss? Ich höre das Kind sprechen: Mutter es schmerzt. Dein Kind. Ich höre die Mutter sprechen: Liebes Kind, Du schmerzt in mir. Es ist ein Riss, der immer größer wird. Deine Mutter. Die Fragen der Kinderstimme verborgen im Schrank (Audio-Installation „hier, anderswo“) mischen sich bereits hinein: „Wo bin ich? Wo bin ich? Ist es dort hell? Ist es dort grausam?“

Als ich die Performance „Pain. Unspecified“ von Hyunju Oh in Mainz auf dem Rundgang der Abschlussklasse der Hochschule für Kunst vor ein paar Jahren zum ersten Mal sah, kam mir das sinokoreanische Wort „Han“ in den Sinn, das ich im Kontext der südkoreanischen Minjung-Bewegung und Theologie kennengelernt hatte. „Han“ steht in diesem Kontext für das unaussprechliche Leiden des Volkes unter der Militärdiktatur. „Han“ findet laut Auskunft meiner koreanischen Freund*innen nie im Alltag für Schmerz Verwendung. „Han“ ist der Schmerz der Ungehörten, das Leiden des Volkskörpers, der Mutter, die ihr Kind im Aufstand verloren hat. Unübersetzbar. Han. Aufbegehren. Erregung. Wut. Schmerz. Der Mutter gegen Unrecht. Der Riss im Mutter.Leib durch einen Riss im Papier.

Es ist eine Kunst, eine ÜberLebenskunst, Schmerz so ausdrücken zu können, dass das nicht Definierbare, das zutiefst persönliche veräußert werden kann und dabei offen ist für den fremden Schmerz. Hyunju Oh findet eine Körper-Sprache, einen Klang dafür: das Papier, das reißt. In der Performance „Pain. Unspecified“ vereinigen sich die facettenreichen Dimensionen der vielfach mit Preisen ausgezeichneten Künstlerin, die in Frankfurt arbeitet: Sie ist Poetin, Performancekünstlerin, Materialkünstlerin, Klangkünstlerin.

Wir sind hier in der KunstKulturKirche Allerheiligen umgeben von Klanginstallationen. Die Kirche wird ein Hörraum. Die beiden Arbeiten „Unterm Schatten“ und „Ein Brief“ sind Premieren. Bei „Unterm Schatten“ (2024) stapeln sich im freien Kirchenraum auf einem Bänkchen sorgfältig gefaltete Decken. Weiß. Frisch. Sie decken zu. Mutter hat mich zugedeckt. Eine Atemhöhle. Was wird „Unterm Schatten“ verborgen und was kann zum Klingen kommen?

„Ein Brief“ ist eine kleine Audio-Installation, klanglich angesiedelt an einer alten Fensterscheibe. Wir hören einen Brief mit fünf Stimmen in verschiedenen Sprachen. Die Adressatin des Briefes wird benannt: Liebe Mutter. Für den Rest benötigt die Arbeit uns. In der Stille, in unserem Lauschen werden die Briefe zu stillen inneren Gebeten. Liebe Mutter. Dein Kind oder Deine Tochter. Die Angesprochene ist anwesend in der Anrede. Sie bleibt abwesend. Wir hören nur die Stimme des Kindes. Die Arbeit „Ein Brief“ markiert die Mutter und sucht nach der Mutter.

Die Anrede „Liebe Mutter“ wird zur Anrede an die Mutter Gottes für einen Moment. Hier im schlichten KunstKulturKirchen-Raum nehmen wir erst beim Verlassen die Schutzmantelmadonna im Eingangsbereich wahr. Maria, die Mutter Gottes wird durch die Klanginstallation präsent. Im Kirchenraum sprechen wir gewöhnlich: Vater unser, Lieber Vater. Vater im Himmel. Hier nun Mutter auf Erden. Liebe.Mutter. Eine Anrede zur anwesend abwesenden Mutter. Ein BriefGebet.

„liebe.mutter“. Der Titel der Ausstellung stellt zwei beladene Begriffe zusammen in einem Wortspiel. Die beiden Wörter trennt ein Punkt. Eine Atempause. Die beiden Wörter erhalten ein Eigenleben. Liebe einen Eigenwert. Mutter hören wir fast immer als Anredeform. Liebe.Mutter. Der Punkt ermöglicht auch rückwärts zu lesen: Mutter.Liebe.

Die multiversale Performance-, Sound- und Silence- Künstlerin Hyunju Oh lässt in den Installationen in der Ausstellung „liebe.mutter“ gestaltete Freiräume entstehen. Sie weitet damit das Mutterbild und befreit es von Stereotypen. Liebe.Mutter.

„Mutter.Boden“ lautet das Thema, das Hyunju Oh zurzeit bearbeitet. Die Sound-Silence-Künstlerin übersetzt die Ambivalenzen, die Sehnsucht und die Wucht des existenziellen Themas „Mutter“ in Atem, Sprachfragmente und imaginative Klang-Bilder. Sie widersteht dabei, Klischees von Mutterbildern zu reproduzieren. Wir sind eingeladen hier in der KunstKulturkirche zu lauschen.

Prof. Dr. Dorothea Erbele-Küster (Johannes Gutenberg Universität)

"Meine Füße reichen nirgendwohin" (My Feet Reach Nowhere) | Saarländisches Künstlerhaus | Stefan Fricke (EN)

“Meine Füße reichen nirgendwohin“, immersive audio drama installation, Saarländisches Künstlerhaus (2024) (Photo: Hyunju Oh)

At the solo exhibition “Meine Füße reichen nirgendwohin” (My feet reach nowhere) by artist Hyunju Oh held at the Saarländisches Künstlerhaus in Saarbrücken on May 8, 2024.

"Mutterboden" (EN: topsoil, literal: mother-ground) - in common German, this is not a particularly poetic word, not a vocabulary that opens up a wide range of associations. At least not until now. The term "Mutterboden" refers to the top, humus-rich and most fertile layer of soil in a cultivated area. The "Mutterboden", also known as topsoil or arable topsoil, is an extremely important basis for the survival of plants, animals and humans. It is a precious, finite resource that is threatened by all kinds of human activity. In order to preserve the "Mutterboden" as much as possible, the way it is treated is protected by law. Section 202 of the German Building Code, entitled "Protection of the Topsoil", states: "The topsoil excavated during the construction and alteration of buildings and other significant changes to the surface of the ground must be kept in a usable condition and protected from destruction or waste". So much for sober legal prose.

When the South Korean artist Hyunju Oh heard the word "Mutterboden" (EN: topsoil, literal: mother-ground) for the first time some time ago, she sensed in it the linguistic equivalent of what she has long been dealing with in her art: the relationship between mother and child, the dreams and traumas of childhood, the necessary distance between parents and children and painful loss, the educational and communicative failures and the enduring connection between family generations, the mutual disengagement for the development of personal autonomy, however free. Hyunju Oh interprets the word "Mutterboden" in such a multifaceted and psychological-social way, which the actual native speakers of German have probably never interpreted and contextualised in this way.

Hyunju Oh's thematically wide-ranging aesthetic settings and implementations of the term "Mutterboden" – which is now also the name of a multi-part work project by the artist - negotiate the equally wide-ranging field of tension between the mother who lovingly tills the humus-rich soil for the child - or, as the exact opposite, the mother who pulls the soil out from under the child's feet. Or the father - think of Franz Kafka's powerful "Letter to the Father".

But Oh focuses on and thematizes the mother, the metaphorical-symbolic image of the mother, along with the implications and associations associated with it, for various reasons that are both concrete and personal, and also extend far beyond the private into the general. And of memories, her own memories, especially from childhood. They form the basis of Hyunju Oh's mostly multi- and intermedial art. Often it is even sad, painful experiences from the artist's past that surface in her works and also push, want to push, have to push. These experiences speak or remain silent, but they speak aesthetically. And they do so in a way that is not unique to Hyunju Oh. Rather, it is a way of working with and processing experiences and turning points that we all know to a greater or lesser extent. Not always exactly as they happened to the artist, but somehow familiar to us.

“Meine Füße reichen nirgendwohin” (My Feet Reach Nowhere) is the title of Hyunju Oh's installation created especially for the Saarländisches Künstlerhaus. It consists of spoken text, sound, noise, light, objects in precise constellations and proportions. One could think of the installation as a sculptural stage set, a stage set that is set in motion solely by the acoustic events and in which visitors can move freely. One could also think that the installation is a radio play, an audio drama created for the real space with objects that communicate with each other loudly and quietly, articulating themselves visually and, thanks to the calculated use of spotlights, also shadow-like, as if it were half night. Incidentally, the spoken word, in its conciseness of communication, is not to be valued as more dominant than all the other ingredients of the installation work.

At the same time, as is almost always the case in Hyunju Oh's works, there is a story written by the artist herself, a short narrative abstracted from memories, a lyrical, poetic miniature; usually it is an inner monologue that can be heard. The speaker in the installation "Meine Füße reichen nirgendwohin" (My Feet Reach Nowhere) is Anna Hensel. In the second work in the blue studio of the Künstlerhaus - it is called "Wie ist es wohl jetzt dort? (How is it now there?) - Hyunju Oh speaks herself. It is an acoustic letter to a person who was probably once loved and is now lost, a letter spoken in German to a friend. By the way, "How is it there now?" is not part of Hyunju Oh's work cycle "Mutterboden," which began in 2023; she had already completed the installation in 2021. The script, which was expanded for the installation to include a series of acoustic-semantic elementary particles, reads in part: "My childhood memories are fuzzy. / Perhaps because my eyes are bad. / As a child I didn't know how badly I could see. / I didn't realize it myself. / I believed that what I saw was the real world.

And in the new work "Meine Füße reichen nirgendwohin" (My Feet Reach Nowhere), which is visually characterized by many cords and ropes - like connecting lines and umbilical cords - two sentences can be heard, among others: "I woke up; nothing touched the tips of my toes" and: "Breath is the only embrace that holds me." So there is no ground to support us, and even if there were, it might not even be able to support us - a feeling of instability and helplessness. No Mother Ground, although she is always there, in whatever shaky and vague state. Throughout our lives.

Prof. Stefan Fricke (hr2-kultur / Radio Frankfurt)

"Meine Füße reichen nirgendwohin" (내 발은 어디에도 닿지 않는다) | Saarländisches Künstlerhaus | Stefan Fricke (KR)

2024년 5월 8일 자를브뤼켄 잘란트 퀸슬러하우스(Saarländisches Künstlerhaus)에서 열린 오현주 작가의 초청 개인전 'Meine Füße reichen nirgendwohin: 내 발은 어디에도 닿지 않는다' 전시에서.

‘Mutterboden - 무터보덴’(표토 / 직역: 어머니의 땅)은 독일어에서 일반적으로 사용되는 시적인 단어는 아니며, 다양한 연관성을 열어주는 어휘가 아닙니다. 적어도 지금까지는 말이죠. ‘표토’는 경작지에서 부식질이 풍부하고 가장 비옥한 토양의 최상층을 의미합니다. 표토는 식물, 동물, 인간에게 매우 중요한 삶의 기반입니다. 표토는 귀중하고 유한한 자원이지만 인간의 모든 종류의 개입으로 인해 위협을 받고 있습니다. ‘표토’를 최대한 보존하기 위해 그 사용은 법으로 보호됩니다. ‘표토의 보호’라는 제목의 독일 건축법 202항은 “건축 구조물의 건설 및 변경과 기타 지표면의 중대한 변화 과정에서 굴착된 표토는 사용 가능한 상태로 보존되어야 하며 파괴나 낭비로부터 보호되어야 한다”고 명시하고 있습니다. - 냉정한 법률 문구는 여기까지입니다.

한국 작가 오현주는 얼마전 'Mutterboden - 무터보덴'이라는 단어를 처음 들었을 때 아주 자연스럽게 - 그녀가 말했듯이 - 이전에는 알지 못했던 이 단어에서 그녀가 한동안 자신의 예술에서 다루어 왔던 것과 동등한 언어적 가치를 느꼈다고 했습니다: 어머니와 자녀의 관계, 어린 시절의 꿈과 트라우마, 부모와 자녀의 필요한 분리와 고통스러운 상실, 교육적, 의사 소통의 상실과 가족 세대 간의 지속적인 연결, 자유로운 개인적 독립성을 위해 상호적 구속으로부터 해제. 실제 독일어 원어민들은 이러한 접근으로 이해하고 맥락화한 경우가 거의 없었습니다. 그러나 오현주는 '무터보덴'이라는 단어를 이렇게 다면적이고 심리 - 사회적인 방식으로 해석합니다.

오현주 작가는 'Mutterboden - 무터보덴'이라는 개념에 대한 주제적 미학적 설정과 구현(작가의 다부작 프로젝트 이름)을 통해 어머니가 아이를 위해 부식질이 풍부하고 사랑스럽게 흙을 가꾸는 것, 또는 이와 정반대로 어머니가 아이의 발 아래에서 흙을 빼앗는 것 사이의 긴장의 장을 폭넓게 다룹니다. 프란츠 카프카의 인상적인 “아버지에게 보내는 편지”를 떠올릴 수도 있고요.

그러나 오현주는 구체적이면서도 개인적이고, 사적인 것을 넘어 보편적인 것으로까지 확장되는 다양한 방식으로 어머니라는 대상과 어머니의 은유적-상징적 이미지, 그리고 그에 따른 함의와 연상에 주목하고 이를 주제화합니다. 또한 그것은 특히 어린 시절의 기억, 그녀 자신의 기억에 남아있는 이미지가 될 수도 있습니다. 이들은 오현주 작가의 다매체 및 인터미디어 아트 작품의 근간을 이루게 됩니다. 대부분 과거에 있었던 작가의 슬프고 고통스러운 경험들은 그녀의 작품에서 표면으로 드러나고, 짖누르고, 밀어내고 싶어지기도, 밀쳐내야만 하는 것이기도 합니다. 이러한 경험은 미학적 언어로 말하거나 조용히 점유합니다. 그리고 이는 비단 오현주 작가 개인에게만 적용되는 것이 아닙니다. 오히려 그것은 우리 모두가 어느 정도 알고 있는 경험과 상처 곁에 머무는 작업이자 그것을 통해 형성된 작업입니다. 물론 작가에게 일어난 일과 우리의 경험은 항상 똑같진 않습니다. 그럼에도 불구하고 우리에게 왠지 모르게 친숙합니다.

“Mein Füße reichen nirgendwo hin” (KR: 내 발은 어디에도 닿지 않는다)는 잘란트 퀸슬러하우스를 위해 특별히 제작된 오현주 작가의 설치 작품 제목입니다. 이 작품은 음성 텍스트, 소리, 소음, 빛, 오브제가 정확한 배열과 비율로 구성되어 있습니다. 설치물은 관람객이 자유롭게 움직일 수 있는 청각적 이벤트만으로 상상력을 자극하는 조형적인 플라스틱 무대 세트라고 생각해도 무방합니다. 또한 이것은 실제 전시 공간을 위해 만들어진 오디오 드라마로, 여러 소리와 침묵 속에서 소통하는 오브제들이 구체적으로 시각화되고 정교하게 설계된 스포트라이트 조명의 활용을 통해 마치 한밤중에 그림자가 드리워진 오디오 연극으로 생각될 수도 있습니다. 덧붙여 설명하자면, 설치물에서 전달되는 화자의 음성은 작품의 커뮤니케이션 과정에서 다른 설치 요소들에 비해 지배적인 영향을 미치지 않습니다.

오현주 작가의 대부분의 작품에서 그렇듯이 이 설치물에서 또한 자전적 이야기, 기억에서 추상화된 짧은 이야기, 서정적이고 시적인 미니어처가 동시에 존재하며, 내면의 독백을 들을 수 있습니다. 설치 작품 “Meine Füße reichen nirgendwohin”(KR: 내 발은 아무데도 닿지 않는다)의 화자는 안나 헨젤(Anna Hensel)입니다. 퀸슬러하우스의 스튜디오 블라우에 있는 두 번째 작품 “Wie ist es wohl jetzt dort?”(KR: 지금 그곳은 어떤가요?)에서는 오현주 작가가 직접 화자로 등장합니다. 한때 사랑했던, 어쩌면 잃어버렸을지도 모르는 사람에게 보내는 청각적 편지, 친구에게 보내는 독일어로 된 편지입니다. 작품 “Wie ist es wohl jetzt dort?(KR: 지금 그곳은 어떤가요?)는 2023년에 시작된 오현주의 연작 프로젝트 “Mutterboden 무터보덴 - 표토”의 일부가 아닌, 2021년에 이미 실현한 작품입니다. 설치를 위해 여러 가지 청각적 의미의 기본 요소가 포함하도록 확장된 그 대본에는 다음과 같이 쓰여져 있습니다. “내 어린 시절 기억은 흐릿해. / 아마 내 눈이 나빠서 일거야. / 어렸을 땐, 내가 얼마나 잘 볼 수 있는지 몰랐어. / 나 자신도 깨닫지 못했거든. / 나는 내가 본 것을 진짜 세상이라고 믿었어.” 그리고 연(緣)과 탯줄처럼 많은 끈과 밧줄들이 시각적으로 특징인 신작 "Mein Füße reichen nirgendwo hin”(KR: 내 발은 아무데도 닿지 않는다)에서는 두 문장을 들을 수 있습니다. “나는 일어났지만 발 끝에는 아무것도 닿지 않았다. / 숨결만이 나를 안아주는 유일한 포옹이다” 즉, 우리를 지탱해줄 땅이 없고, 설령 땅이 있다 하더라도 우리를 지탱해줄 수 없을지도 모른다는 무력감, 의지할 곳 없는 감정이 담겨져 있습니다. 어찌됐던 그것은 분명 존재하지만, 어머니의 땅은 존재하지 않습니다. 그것은 항상 흔들리고 모호한 상태로서 우리의 일생 동안 말이죠.

Prof. Stefan Fricke (hr2-kultur / Radio Frankfurt)

"Meine Füße reichen nirgendwohin" | Saarländisches Künstlerhaus | Stefan Fricke (DE)

„Mutterboden“ - das ist in im gängigen deutschen Sprachgebrauch kein sonderlich poetisches Wort, ist keine Vokabel, die einen weiten Assoziationsraum öffnet. Bisher jedenfalls. „Mutterboden“ bezeichnet die oberste, humushaltige und fruchtbarste Erdschicht einer Kulturfläche. Der „Mutterboden“, die „Muttererde“ oder auch „Ackerkrume“ ist eine überaus wichtige Lebensgrundlage für Pflanzen, Tiere und Menschen. Er ist eine wertvolle, endliche Ressource, allerdings gefährdet durch allerlei menschliche Eingriffe. Um den „Mutterboden“ weitestgehend zu bewahren, ist der Umgang mit ihm gesetzlich geschützt. Im deutschen Baugesetzbuch heißt es im Paragraph 202 mit der Überschrift „Schutz des Mutterbodens“: „Mutterboden, der bei der Errichtung und Änderung baulicher Anlagen sowie bei wesentlichen anderen Veränderungen der Erdoberfläche ausgehoben wird, ist in nutzbarem Zustand zu erhalten und vor Vernichtung oder Vergeudung zu schützen.“ - Soweit die nüchterne juristische Prosa.

Als die südkoreanische Künstlerin Hyunju Oh vor einiger Zeit und ganz beiläufig zum ersten Mal das Wort „Mutterboden“ gehört hat – so erzählte sie mir -, erspürte sie in dem ihr bis dahin unbekannten Wort die sprachliche Entsprechung zu dem, womit sie sich seit längerem in ihrer Kunst beschäftigt: mit dem Verhältnis von Mutter und Kind, mit Träumen und Traumata aus der Kinderzeit, mit der notwendigen Loslösung von Eltern und Kindern und schmerzhaftem Verlust, mit den erzieherischen, kommunikativen Verfehlungen und der dauerhaften Verbindung zwischen den familiären Generationen, mit der gegenseitigen Ent-Bindung zur Entfaltung der wie auch immer freien persönlichen Eigenständigkeit. Derart facettenreich und psychologisch-sozial interpretiert Hyunju Oh das Wort „Mutterboden“, das die eigentlichen deutschen Muttersprachler wohl kaum je so gedeutet und kontextualisiert haben.

Hyunju Ohs thematisch weit gespannte ästhetische Setzungen und Umsetzungen des Begriffes „Mutterboden“ – so heißt nun auch ein mehrteiliges Arbeitsprojekt der Künstlerin - verhandeln das ebenso weite Spannungsfeld zwischen der humusreichen und liebevollen Bestellung des Bodens für das Kind durch die Mutter – oder als krasses Gegenteil davon - das Wegziehen des Bodens unter den Füßen des Kindes durch die Mutter. Oder auch durch den Vater – denken wir an Franz Kafkas beeindruckenden „Brief an den Vater“.

Aber Hyunju Oh fokussiert und thematisiert aus verschiedenen Gründen, die sowohl konkret-persönlich sind wie auch eben weit über das Private hinaus ins Allgemeine greifen, die Mutter, das metaphorisch-symbolische Bild der Mutter samt der damit verbundenen Implikationen und Assoziationen. Und der Erinnerungen, der eigenen Erinnerungen, vor allem aus Kindertagen. Sie grundieren die meist mehr- und intermediale Kunst von Hyunju Oh. Vielfach sind es sogar traurige, schmerzliche Erlebnisse aus der Vergangheit der Künstlerin, die in ihren Arbeiten an die Oberfläche dringen und eben auch drängen, drängen wollen, drängen müssen. Diese Erfahrungen ergreifen sprechend oder stumm das ästhetische Wort. Und das in einer Weise, die nicht nur für Hyunju Oh allein gilt. Vielmehr ist es ein Arbeiten mit und ein Abarbeiten an Erlebnissen und Einschnitten, die wir alle selber mehr oder weniger auch kennen. Nicht immer ganz genau so, wie sie der Künstlerin widerfahren sind. Gleichwohl sind sie uns irgendwie vertraut.

„Meine Füße reichen nirgendwohin“ betitelt Hyunju Oh ihre eigens für das Saarländische Künstlerhaus geschaffene Installation. Sie besteht aus gesprochenem Text, Klang, Geräusch, Licht, Objekten in genauen Konstellationen und Proportionen. Man könnte meinen, die Installation sei ein skulptural-plastisches Bühnenbild, ein allein durch die akustischen Ereignisse imaginär in Bewegung versetztes Bühnenbild, in dem sich die Besucher übrigens frei bewegen dürfen. Man könnte auch meinen, die Installation sei ein Hörspiel, ein für den realen Raum geschaffenes Audio Drama mit sich laut und leise mitteilenden Objekten, die sich visuell konkret und dank der kalkuliert eingesetzten Schweinwerfer auch schattenhaft, wie halbnachts, artikulieren. Wobei das gesprochene Wort übrigens in seiner Mitteilungsprägnanz nicht dominanter zu werten ist als all die anderen Ingredienzien der Installationsarbeit.

Zugleich gibt es – wie nahezu immer in den Arbeiten von Hyunju Oh – eine selbst verfasste Story, eine kleine aus Erinnerungen abstrahierte Erzählung, eine lyrische, poetische Miniatur; meist ist es ein zu hörender Innerer Monolog. Sprecherin in der Installation „Meine Füße reichen nirgendwohin“ ist Anna Hensel. In der zweiten Arbeit im studio blau des Künstlerhauses – sie heißt „Wie ist es wohl jetzt dort?“ – spricht Hyunju Oh selbst. Es ist ein akustischer Brief an eine wohl einst geliebte und wohl verlorene Person, ein auf deutsch gesprochener Brief an einen Freund, an eine Freundin. „Wie ist es wohl jetzt dort?“ gehört im Übrigen nicht zu Hyunju Ohs 2023 begonnenem Werk-Zyklus „Mutterboden“; sie hat die Installation bereits 2021 realisiert. In dem Skript, das für die Installation um manche akustisch-semantische Elementarteilchen erweitert ist, heißt es u.a.: „Meine Kindheitserinnerungen sind verschwommen. / Vielleicht, weil meine Augen schlecht sind. / Ich wusste als Kind nicht, wie schlecht ich sehen kann. / Ich habe das selbst nicht bemerkt. / Ich habe geglaubt, dass das, was ich sehe, die wirkliche Welt ist.“

Und in der neuen Arbeit „Meine Füße reichen nirgendwohin“, die visuell auch geprägt ist durch viele Schnüre und Seile - gleich Verbindungslinien und Nabelschnur -, erklingen u.a. die zwei Sätze: „Ich wachte auf; nichts berührte meine Zehenspitzen“, und: „Der Atem ist die einzige Umarmung, die mich hält.“ Da also ist kein Boden, der trägt, und der, wäre er da, vielleicht auch nichtmals tragen könnte – Haltlosigkeit, Hilflosigkeit. Kein Mutterboden, obschon dieser, in welch wackeligen und vagen Zuständen auch immer, sowieso existent ist. Ein Leben lang.

Stefan Fricke (hr2-kultur / radio Frankfurt)

"hier, anderswo" (여기, 다른 곳에서) | Nassauischer Kunstverein Wiesbadnen | Elke Gruhn (KR)

“hier, anderswo”, audio drama installation, Nassauischer Kunstverein Wiesbaden - Centre for Contemporary Art (2022) (Photo: Hyunju Oh)

24. November 2022 - 05. March 2023

사운드 아티스트인 오현주 작가는 Nassauischer Kunstverein Wiesbaden에서 열린 개인전 hier, anderswo을 통해 존재, 감정 및 시간 간의 복잡한 관계를 탐구하는 멀티미디어 작업들을 선보인다.

전시실 한가운데에 오래된 원목 옷장이 서 있다. 문은 약간 열려 있으나 그 내부는 자세히 볼 수 없다. 옷장 내부를 보호 구역으로 선택한 어린 소녀의 목소리만이 보이지 않는 주인공에 대한 세계를 이끌어낼 뿐이다. 설치물의 서라운드 사운드는 보호구역에 숨은 소녀의 감정, 기억, 존재를 유형화한다. 이러한 감정과 기억은 개별적일 수 있지만 집단적일 수 있음을 이 작업을 통해 우리는 알 수 있다. 이번 오현주 개인전 타이틀이기도 한 작품 hier, anderswo (2022)는 이곳에서 처음으로 선보인다.

“Causeless“, Performance, 24 Nov 2022, Nassauischer Kunstverein Wiesbaden - Centre for Contemporary Art, Germany. (Photo: Anja Kessler)

Nassauischer Kunstverein Wiesbaden - Centre for Contemporary Art, Wiesbaden, Germany (Film: Anita Neukirch)

2022년 11월 24일 작가는 오픈식에서 신작 Causeless (2022)를 발표한다. 퍼포먼스를 통해 행위와 물질, 인간과 사물의 관계를 조명한다. 오현주 작가에게 재료는 목적을 위한 수단이 아니다. 그는 의도적으로 다른 재료 속성을 사용하여 은유를 만든다. 오픈식에서 선보일 퍼포먼스 Pain, unspecified (2019)에서 작가는 인상적인 방식으로 고통의 평가 가능성에 대한 질문을 던진다.

“Remains from Remains of Remains”, #1 ~ #20, Digital print, 20x15cm, 2015

Remains from Remains of Remains (2015) 사진 시리즈에서 간결한 시간적 구성은 특히 두드러진다. 흰 벽의 사진들은 빛과 시간의 사진 표현이 새로워질 때마다 한 층 한 층, 이미지 레벨에 따라 연속되는 피스로 벽이 사라지는 방식을 보여준다. 우리는 무엇을 기억하는가. 여기서 벽은 점점 파편화되고 조각나기 쉬운 기억의 상징이 된다. 이렇듯 이 시리즈는 시간, 존재 및 감정의 삼분법 내 행동과 물질 사이 긴장의 장에서 다시 한번 움직인다. 연작이 시간의 흐름에 따른 망각을 그리며, 이를 위해 작가는 시간과 기억을 포착하여 파편화로 부터 보호할 수 있는 사진이라는 매체를 사용한다.

"Von _ir”, Morat Institute for Art and Art Theory, Freiburg, Germany, 2019 (Photo: Marc Doradzillo)

"Von _ir”, Morat Institute for Art and Art Theory, Freiburg, Germany, 2019

감정은 사람간의 관계 속에서 자주 드러난다. 제목 빈 공간이 의도적으로 "m / ㅈ" 또는 "d / ㄴ"로 채워질 수 있는 비디오 설치물 Von_ir / ㅔ 탓이오 (2011/2016)에서 작가는 두 사람 사이의 상호작용을 슬로우 모션으로 보여준다. 처음, 한 사람이 자신의 가슴을 내려치는 모습이 보이며, 이는 크게 뛰는 그의 심장 박동 소리로 연상되게 한다. 그러나 곧 다른 이가 다가와 안아주지만 그는 자신의 가슴을 치는 대신 자신에게 다가온 사람의 등을 크게 내려치게 된다. 일반적으로 긍정적인 의미를 지닌 포옹과 같은 제스처는 여기서 부정적인 의미인 폭력성의 제스처와 대조된다. 그러나 여기서 두 감정을 모두 받아드리며 우리의 존재성을 드러내는 심장 박동 소리가 항상 동반된다. 이 작품은 슬로우 모션을 통해 사건의 원인을 명확하게 말하지 않은채, 관객의 시간 인식을 조작하여 퍼포머들의 동작을 정확하게 관찰할 수 있도록 한다.

Elke Gruhn

"hier, anderswo" | Nassauischer Kunstverein Wiesbadnen | Elke Gruhn (DE)

24. November 2022 - 05. March 2023

In Ihrer Einzelausstellung hier, anderswo im Nassauischen Kunstverein Wiesbaden bearbeitet die Klangkünstlerin Hyunju Oh in ihren multimedialen Werken die komplexe Beziehung von Existenz, Emotion und Zeit.

Inmitten des Ausstellungsraums steht ein alter Holzschrank. Die Tür ist leicht geöffnet, verwehrt aber den detailreichen Blick in den Innenraum. Lediglich die Stimme eines jungen Mädchens, das den Innenraum des Schranks als Schutzzone auserwählt hat, erlaubt Rückschlüsse auf die unsichtbare Protagonistin. Surround-Sound macht die Emotionen, die Erinnerungen und die Existenz des Mädchens erfahrbar – Emotionen und Erinnerungen, die ebenso kollektiv wie individuell sein können. Die ausstellungstitelgebende Arbeit hier, anderswo (2022) von Hyunju Oh wird erstmals zu sehen sein.

Zur Vernissage am 24. November 2022 performt die Künstlerin erstmalig die Arbeit Causeless (2022). Mit der Performance beleuchtet Hyunju Oh die Beziehung von Handlung und Material, von Mensch und Objekt. Materialien sind für Oh nicht nur Mittel zum Zweck. Stattdessen setzt sie verschiedene Materialeigenschaften gezielt ein, um eine Metapher zu schaffen. Besonders eindrücklich stellt sie so die Frage nach der Bewertbarkeit von Schmerz in ihrer Arbeit Pain, unspecified (2019), die die Künstlerin ebenfalls zur Eröffnung performt.

Auffallend prägnant ist die Komponente der Zeit in der Fotoserie Remains from Remains of Remains (2015). Die Fotografien einer weißen Wand zeigen die Performerin, wie sie Schicht um Schicht, Bildebene für Bildebene, bei jeder erneuten fotografischen Manifestation von Licht und Zeit, die Wand um ein weiteres Stück reduziert. Woran erinnern wir uns? Die Wand wird zum Symbol für die Erinnerung, die stets fragmentierter und brüchiger wird. Die Serie bewegt sich damit erneut in einem Spannungsfeld zwischen Handlung und Material, innerhalb der Trichotomie von Zeit, Existenz und Emotion. Während die Serie das Vergessen im Laufe der Zeit darstellt, nutzt die Künstlerin hierfür das Medium der Fotografie, die es vermag, Zeit und Erinnerung festzuhalten und damit vor ihrer Fragmentierung zu schützen.

Besonders sichtbar werden Emotionen oft in zwischenmenschlichen Beziehungen. In der Videoinstallation Von_ir (2011/2016) - bewusst kann hier die Leerstelle mit „m“ oder „d“ gefüllt werden – zeigt die Künstlerin in Slow-Motion die Interaktion zwischen zwei Personen. Während zunächst eine Person sichtbar ist, die sich auf die Brust schlägt und mit dem dadurch entstehenden Klang an ein lautes Herzschlagen erinnert, tritt bald eine zweite Person hinzu und umarmt die erste. Diese scheint die Umarmung zu erwidern, schlägt nun jedoch anstatt auf die eigene Brust auf den Rücken der zweiten Person. Eine üblicherweise positiv konnotierte Geste wie die Umarmung ist hier mit der negativ konnotierten Geste des Schlagens kontrastiert – immer jedoch begleitet vom lebensnotwendigen Herzschlag, der beide Emotionen erlaubt. Durch den Einsatz von Slow-Motion wird das Zeitempfinden der Betrachter:innen manipuliert und die Handlungen der Darsteller:innen zwar genaustens beobachtbar gemacht, ohne aber die Ursache des Ereignisses eindeutig zu klären.

Elke Gruhn

"hier, anderswo" (here, elsewhere) | Nassauischer Kunstverein Wiesbadnen | Elke Gruhn (EN)

24. November 2022 - 05. March 2023

In her solo exhibition hier, anderswo at the Nassauischer Kunstverein Wiesbaden, sound artist Hyunju Oh explores the complex relationship between existence, emotion and time in her multimedia works.

An old wooden cabinet stands in the middle of the exhibition room. The door is slightly open, but denies a detailed view of the interior. Only the voice of a young girl, who has chosen the inside of the cabinet as a protective zone, allows conclusions to be drawn about the invisible protagonist. Surround sound makes the girl's emotions, memories and existence tangible - emotions and memories that can be as collective as they are individual. The work hier, anderswo (2022) (EN: here, elsewhere) which gave the title to the exhibition will be shown for the first time.

At the vernissage on November 24, 2022, the artist will perform the work Causeless (2022) for the first time. With the performance, Hyunju Oh illuminates the relationship between action and material, between man and object. For Oh, materials are not just a means to an end. Instead, she deliberately uses different material properties to create a metaphor. In this way, she poses the question of the evaluability of pain in a particularly impressive way in her work Pain, unspecified (2019), which the artist also performs at the opening.

The time component in the photo series Remains from Remains of Remains (2015) is striking. The photographs of a white wall show the performer how, layer by layer, image level by image level, with each renewed photographic manifestation of light and time, she reduces the wall by a further piece. What do we remember? The wall becomes a symbol for memory, which is becoming more and more fragmented and fragile. The series thus moves once again in a field of tension between action and material, within the trichotomy of time, existence and emotion. While the series depicts forgetting over time, the artist uses the medium of photography, which is able to capture time and memory and thus protect them from fragmentation.

Emotions are often particularly visible in interpersonal relationships. In the video installation Von_ir (2011/2016) - the blank space can be deliberately filled with "m" or "d" - the artist shows the interaction between two people in slow motion. While a person is initially visible beating his chest and the resulting sound is reminiscent of a loud heartbeat, a second person soon steps up and hugs the first. She seems to return the hug, but instead of hitting her own chest, she hits the second person's back. A gesture that usually has positive connotations, such as a hug, is contrasted here with the negatively connoted gesture of beating - but always accompanied by the vital heartbeat that allows both emotions. Through the use of slow motion, the viewer's perception of time is manipulated and the actions of the performers are made precisely observable, but without clearly clarifying the cause of the event.

Elke Gruhn

사운드 스케이프로 공명하는 독백의 무대 | 조숙현 (KR)

이성과 감정에 대해 이야기할 때, 유독 우리 사회는 이성에 힘을 실어주는 경향이 있음을 종종 목도하곤 한다. 흥미롭게도 이것은 예술과 예술가에게도 적용되는데, 특히 아트앤테크(Art & Tech) 기반의 예술이나 뉴 테크놀로지 기반의 작업을 하는 작가들에게는 섬세하고 개인적인 감정의 발화보다는 이성적이고 과학적인 기술의 향연을 기대하는 심리가 작용하기 마련이다. 그러나 예술이 예술가 개인의 지극히 주관적인 감정 표출을 허용하는 사회의 마지막 보루임을 망각할 때, 예술은 중요한 하나의 역할을 상실하게 된다. 나아가 미디어나 테크놀로지와 예술 주제와의 주객이 전도되는 현상을 간과할 수 있다. 또한 작가의 개인적인 서사와 주관적인 감정에 대해 낯설게 바라본다면 현대예술에서 작가들이 환경, 젠더, 인종 등 다양한 사회적인 이슈를 작품 주제로 들여오면서 이해와 비평이 일반적(정치적 올바름 등)인 방향 외에는 허용되지 않는 결과를 낳기도 한다. 이 글에서는 오현주 작가가 가지고 있는 예술가 개인의 서사와 감정 표출이 어떻게 ‘오디오 드라마 설치(Audio Drama Installation)’와 어우러지는지, 이 과정에서 두드러진 작가와 작업의 특징과 의의를 함께 짚어보며 이것이 어떻게 예술가의 자유 발언과 표현을 가능케 하는지를 살펴보고자 한다.

Blue Burn, immersive audio drama installation & performance (2022) (Photo: Hyunju Oh)

오현주 작가의 최근작 <Blue Burn>(2022)은 특정한 공간(대학병원 마취통증치료실)에서 펼쳐지는 오디오 드라마 사운드와 퍼포머의 퍼포먼스가 함께 진행되는 인터미디어 설치 작업이다. 14 채널 사운드, 10개의 조명 채널, 2개의 영상, 오디오 드라마와 공연 채널로 구성되었으며, 오브제, 사운드, 조명, 퍼포머(작가)가 등장한다. 병동 베드, 천장으로부터 늘어뜨려진 과장된 링거줄과 같은 전선, 밧줄 등의 오브제는 연극적인 무대 장치들로 소환되고, 나뭇가지와 조명 등은 관객을 특정한 상황으로 몰입하게 만드는 역할을 한다. 즉, 오현주 작가의 작품에 등장하는 1차원적인 시각물들은 단순히 상황을 ‘재현’ 하는 데 그치지 않고 예술가가 말하고자 하는 특정한 이야기로 안내하는 장치가 된다. 설치물들은 상황을 묘사하는 것들과 퍼포머이자 작가 자신인 주인공의 내면을 보여주는 장치로 나누어 볼 수 있다. 의도적으로 연출된 조명과 베드 위에 설치된 밧줄 등은 주인공이 차가운 베드에 누워 자유롭고 낭만적인 밤하늘로 탈출하는 상상의 길로 안내한다. 이런 오브제들은 작가의 작품이 표현된 무대 위에 재현과 묘사 외에 작가의 내면과 상상을 늘어놓을 수 있는 장치라는 점에서 중요하다. 왜냐하면 이런 장치들로 하여금 우리는 작가가 꺼내놓고 싶어 하는 내밀하고 주관적인 경험의 세계로 초대받기 때문이다.

오디오 설치는 직접적인 알레고리 오브제보다는 좀 더 간접적으로 관객에게 노출되지만, 심리를 계산적으로 유도한다는 점에서는 보다 직접적으로 관여한다고 볼 수 있다. 사운드는 다시 두 가지 역할로 나뉘어 구분할 수 있는데, 작품이 펼쳐지는 특정 공간을 인지할 수 있도록 돕는 역할과 작가의 직접적인 ‘내면의 독해’를 여는 역할이다. 작가는 실제로 겪었던 특정한 경험이 형성한 트라우마에 가까운 기억과 함께 꿈을 조합하여 물질과 비물질의 요소를 결합한 연극을 올린다. 여기서 사운드는 조명과 더불어 다분히 의도적으로 정서를 전달한다. 여섯 개의 시퀀스로 이루어진 시나리오를 살펴보면 좀 더 분석이 용이해지는데, 연극은 퍼포머(작가)가 우퍼를 껴안고 있는 장면으로부터 출발한다. 장면이 전환될 때, 공간을 환기시킬 때 등장하는 사운드(종합병원 병동의 소리, 카트가 굴러가는 소리, 침상 밖의 바람소리 등)는 1차원적인 물리적인 작품 공간의 세계를 형상화한다. 한편 작가에 의해 계산되고 의도된 효과음은 관객의 정서적 공명을 불러일으킨다.

퍼포머와 서브 우퍼 뒤편 위에 위치한 스피커에서 유리들이 부딪히는 소리가 섬세하게 들린다.
날카롭게 그리고 부서질 듯 섬세한 느낌으로. 한편으론 청아하게 들리기도.
마치 마음 속에 가시들이 돋아나듯 깨지고 부딪히며 밖으로 나온다.
그리곤 유리 소리와 함께 가는 휘파람 소리가 퍼포머를 향해 들려온다.
동시에 노란 불빛도 퍼포머를 향해 쏟아진다.

- 오현주, <Blue Burn>(2022) 시나리오 중

‘날카롭게 그리고 부서질 듯 섬세한’, ‘한편으로 청아하게’, ‘마음 속에 가시들이 돋아나듯’ 등의 표현으로 알 수 있듯, 사운드들은 직접적으로 작가와 관객들의 심정과 연관되어 있으며, 사운드는 다시 조명과 퍼포머의 동선(우퍼를 안고 힘없이 앉아 있는 퍼포머)과 결합되어 점층적이고 다층적인 장치들로 확산된다. 여기서 한 단계 나아가 극에 등장하는 대사들(“내가 아파서 왔는데, 왜 더 아파야 해요!”)은 드라마적인 분위기를 한 층 더 고조시킨다.

작가가 스스로의 작품을 지칭하는 용어 ‘몰입형 오디오 드라마 설치’는 궁극적으로 작가의 자전적이고 고백적인 이야기를 할 수 있는 무대이자 장치들의 복합 요소라는 점에서 주목해야 한다. 작가는 또한 자신의 작품을 일컬어 “존재와 시간, 그리고 감정의 공진화된 형태”를 다룬다고 말한다. 이것은 총체적인 작품 자체가 결국은 작가의 특정한 기억의 공간에서 공진하고 있는 심리적인 형태를 가시적으로 옮긴 결과물이며, 작가는 이 경험에 대한 현대미술적인 표현과 더불어 타인의 공감, 그리고 연대를 시도하려는 용기를 내어 이 작품을 고안하게 되었다고 볼 수 있다. 현대미술은 다양한 얼굴과 마음을 가지고 있지만, 궁극적으로 작가의 어떤 이야기를 담고 그것을 어떻게 표출할 것인지를 고민하는 과정에서 형식과 내용이 결정된다. 그것이 작가의 자전적인 독백을 담고 있을 때, 예술가와 관객 모두 표면적인 창작과 감상의 막을 뚫고 비로소 예술을 통한 소통을 할 수 있다고 믿는다.

<Breath>(2019)는 오현주 작가의 현재의 작품세계를 완성하게 된 중요한 단초가 되었던 작업이라고 볼 수 있다. 오디오 드라마를 기반으로 한 멀티미디어 설치 작업이라는 점에서 형식적인 틀은 이 작업을 통해 갖추어 졌다. 이 작업은 주인공이 공간 밖으로 탈출하지 못하는 스토리로 진행된다. 폐쇄공포증을 유발하는 공간에서 흥미롭게도 관객이 주인공의 ‘탈출 불가’ 상황을 인지하는 장치는 역시 사운드이다. 관객은 전시 공간 안에서 주인공의 모든 움직임을 듣게 된다. 이런 ‘소리 내러티브적’인 상황에서 형성된 가상공간은 주인공(작가)의 심리적/정서적인 공간에 대한 은유이자 총체이며, 작업의 무대는 작가의 지극히 내면적이고 고백적인 심리 공간이다.

DYSTOPIE Sound Art Festival 2020 Berlin-Brazil, Alte Münze, Berlin, Germany, 2020 (Photo: Hyunju Oh)

감정과 정서, 공명과 공감의 영역은 사회의 이성적인 논리 수면 아래 잠겨 있다. 예술 분야 역시 작가 개인의 감정이 지나치게 뜨겁거나 비약적일 때 제도권은 이를 다소 외면해왔다고 생각한다. 미술관과 갤러리에서 관심을 받는 영역은 언제나 차갑고 정제된 예술품들이었고, 그 안에 작가의 진짜 감정과 이야기는 숨겨져 있었다. 오현주 작가의 작품은 오브제와 사운드가 결합하여 발생하는 사운드 스케이프와 서사를 통해 작가의 내면적 독백을 전달하는 작품을 선보이고 있으며, 회를 거듭하며 개념을 발전시키고 세계를 확장해 나아간다. 시나리오에 의해 기획되고 계산된 사운드는 공간을 형성하는 역할을 하면서 동시에 오브제와 결합하여 무대 위 생명력을 입힌다. 사물과 인간은 작가가 연출한 하나의 무대 위에서 의인화되며, 움직임에서 비롯된 파동은 관객에게 공간 인지와 함께 작가의 내밀한 감정을 전달한다. 고통, 통증, 어두움, 기억, 상상의 내면적 공간은 관객에게 전달된다. 벽 너머의 소통의 세계의 가능성을 꿈꾸면서 말이다.

조숙현 (전시기획자 / 미술비평가)

조숙현은 연세대학교 영상 커뮤니케이션 석사를 졸업했다. 영화주간지 FILM 2.0과 미술월간지 PUBLIC ART에서 취재 기자로 문화 예술계에 입문한 뒤, 미술비평가와 전시 기획자로 활동하고 있다. 저서로는 <내 인생에 한 번, 예술가로 살아보기>(2015), <서울 인디 예술 공간>(2016) 등이 있다. 기획한 전시는 <강원국제비엔날레 2018 : 악의 사전>, <X-사랑>(2019), <이야기를 지나 출구>(2020), <변덕스러운 부피와 두께>(2021) 등이 있다. 2018년부터 현대미술 전문 출판사 아트북프레스(Art Book Press)를 설립하고 현대미술 전문 서적과 아트북을 출간하고 있다.

A monologue stage that resonates with the soundscape | Sook-Hyun Cho

When we talk about reason and emotions, we often see that our society tends to empower reason. Interestingly, this also applies to art and artists, especially for artists who work with Art & Tech-based or new technology-based art. The audience expects a series of rational and scientific technology rather than delicate and personal emotions. However, when we forget that art is the last bastion of society that allows the expression of highly subjective emotions of individual artists, art loses an important role. Furthermore, the phenomenon in which role inverts between media or technology and the subject of art can be overlooked. Also, if you look at the artist's personal narrative and subjective feelings unfamiliarly, as artists introduce various social issues such as environmental, gender and racial as the subject of their work resulting the understanding and criticism to end only in the general direction(political correctness, etc.). This text focuses on how artist Hyunju Oh's individual narrative and emotional expression harmonize with the 'Audio Drama Installation' and examine the features and significance of the artist and the work that stood out in this process. Moreover, how individual and personal narrative and emotion makes artists’ free speech and expression possible.

Artist Hyunju Oh's latest work <Blue Burn> (2022) is an intermedia installation work in which the sound of an audio drama and the performance of the performer are unfolded together in a specific space(the anesthesia and pain treatment room of a university hospital). It consists of 14-channels of sound, 10 lighting channels, 2 videos and an audio drama and performance. Objets, sound, lighting and performer(artist) appear in the installation. Objets such as ward beds, electric wires like exaggerated IV tubes and ropes hanging from the ceiling are implemented as theatrical stage devices. Branches and lights play a specific role in immersing the audience into the situation. In other words, the one-dimensional visual objects appearing in the work of artist Hyunju Oh do not simply ‘reproduce’ the situation, but become a device that guides the artist to the specific story she wants to tell. Installations can be seen into those that depict situations and objects and that show the inner side of the main character, who is the performer and the artist herself. The intentionally staged lighting and the rope installed over the bed lead the main character to an imaginary way to escape to the free and romantic night sky while lying on a cold bed. These objets are important in that they are devices that can display the artist's inner world and imagination in addition to representation and description on the stage where the artist's work is expressed. Because these devices invite us to the world of intimate and subjective experiences that the artist wants to bring out.

The audio drama installation is more indirectly exposed to the audience than direct allegory objets, but they can be seen as more directly involved in calculatively inducing the state of mind. Sound can be divided into two roles: a role that helps people recognize the specific space in which the work unfolds and a role that opens the artist's direct 'inner comprehension'. The artist creates a play that combines elements of material and non-material elements by combining dreams with memories close to trauma formed by specific experiences that she actually experienced. Here, sound, along with lighting, conveys emotion intentionally. When we take the scenario which is composed in six sequences into account, analysis becomes easier. The play starts from a scene in which the performer(artist) hugs the woofer. The sound when the scene is changed and ventilates the space(the sound in a hospital ward, the sound of a cart rolling, the sound of the wind outside the bed, etc.) embodies the world of a one-dimensional physical work space. Meanwhile, the sound effects calculated and intended by the artist evoke the emotional resonance of the audience.

The glass crashed delicately from the speakers located above and behind the performer and the subwoofer is heard.
With a sharp and delicate feeling as if to break. On the one hand, it sounds clear.
Like thorns sprouting from the heart, it breaks and crashes and comes out.
Then, the sound of a whistle along with the sound of glass is heard towards the performer.
At the same time, the yellow light also pours towards the performer.

- From the scenario of <Blue Burn>, Hyunju Oh

As can be seen from expressions such as 'sharp and delicate as if to break', 'On the one hand, it sounds clear', and 'like thorns sprouting from the heart', the sounds are directly related to the feelings of the artist and the audience. It is combined with the movement of the performer and the performer herself(sitting helplessly holding a woofer) and spreads into gradual and multi-layered devices. Going one step further, the line in the play “I came here because I am sick, why do I have to hurt more!” further heighten the dramatic atmosphere.

It should be noted that the term 'immersive audio drama installation', which refers to the artist's own work, is ultimately a stage for the artist's autobiographical and confessional story and a complex element of devices. The artist also says that her work deals with “coevolved forms of being, time and emotion.” The overall work itself is the result of visually translating the psychological form that resonates in the artist's specific memory space and it can be seen that this work was devised by the artist to attempt empathy and solidarity with others as well as contemporary artistic expression of this experience. Contemporary art has a variety of faces and minds, but ultimately, the form and content are determined in the process of contemplating what kind of story the artist will contain and how to express it. When it contains the artist’s autobiographical monologue, both the artist and the audience can communicate through art over the curtains of superficial creation and appreciation.

<Breath> (2019) can be seen as an important stepping stone to the completion of the current world of artist Hyunju Oh. In the sense that it is a multimedia installation work based on an audio drama, her formal framework was established through this work. This work proceeds with a story in which the protagonist cannot escape out of a space. Interestingly, in a space that induces claustrophobia, the device that allows the audience to recognize the protagonist's 'unable to escape' situation is also the sound. The audience hears every movement of the protagonist in the exhibition space. The virtual space formed in such a 'sound narrative' situation is a metaphor and totality for the psychological/emotional space of the protagonist(artist) and the stage of the work is the artist's extremely inner and confessional psychological space.

The realms of emotion and emotion, resonance and empathy are submerged under the surface of society's rational logic. In the art field, I also think that when an artist's individual emotions are too hot or leaping, the institutional system has been somewhat ignorant of it. The areas of interest in art museums and galleries have always been cold and refined works of art, in which the artist's true feelings and stories are hidden. Hyunju Oh's works convey the artist's inner monologue through soundscapes and narratives that are created by combining objets and sounds. It is developing concepts and expanding the world repideatly. The sound planned and calculated by the scenario plays the role in forming the space, while at the same time combining with the objet to give life to the stage. Objects and humans are personified on one stage directed by the artist and the resonance resulting from movement carries the artist's deep feelings along with spatial awareness to the audience. The inner space of pain, darkness, memory and imagination is delivered to the audience. Dreaming of the possibility of a world of communication beyond the wall.

Sook-Hyun Cho (Curator, Art Critic)

Sook-Hyun Cho graduated from Yonsei University with a Master's degree in Visual Communication. She started her career as a reporter for the weekly film magazine FILM 2.0 and the monthly art magazine PUBLIC ART, since then she works as an art critic and exhibition planner. Her books include <Once in My Life, Living as an Artist> (2015) and <Seoul Indie Art Space> (2016). Her curated exhibitions include <Gangwon International Biennale 2018: Dictionary of Evil>, <X-Love> (2019), <Exit passed by the Story> (2020), and <Capricious Volume and Thickness> (2021). Since 2018, she has founded Art Book Press and has been publishing books and art books specializing in contemporary art.